Programación 2014 / Dossier

Información ampliada sobre las propuestas que integran el ciclo MIRÁ 2014:


final rectangular rozarjpg2ALGO QUE YA NO HACE, MONOTONÍA.LAB, VISLUMBRES

Grupo de Experimentación en Artes del Movimiento. Sandra Reggiani.

[Viernes 1 de agosto, 22hs. Entrada gratuita] Función reprogramada para el sábado 30/8, 16 hs

Se propone una primera instancia escénica y una segunda instancia de reflexión y debate a partir de lo presentado.

Problematizar la improvisación como modo de la danza

Se presentarán fragmentos de tres obras compuestas por diferentes autores y seleccionadas para participar de este ciclo con el objetivo de problematizar la improvisación en tanto estrategia y dispositivo compositivo en cada una de ellas.
El GEAM en tanto proyecto institucional del IUNA DAM surge con la premisa de generar un espacio de experimentación respecto de la escena contemporánea, colaborar en la profesionalización de sus integrantes al tiempo que promueva una mirada crítica y reflexiva respecto de sus prácticas.
La formación de los integrantes del GEAM, estudiantes de carreras de Expresión Corporal, está atravesada por la improvisación como estrategia disciplinar.
La puesta en diálogo con compositores que aplican improvisación en sus proyectos y cuentan con heterogéneas procedencias de formación y modos propios y particulares de componer ofrece desafíos tanto estéticos como metodológicos respecto de los lugares comunes y consensuados respecto de la improvisación que interpelan las prácticas y sus bordes.
Abrir una instancia para el análisis de estos aspectos es uno de los objetivos que nos movilizó a presentar esta propuesta en el marco del ciclo Mirá!

VISLUMBRES PASAJERAS

Los bailarines estimulan la fluidez del movimiento, sin saber con exactitud , a dónde los va a llevar. Transportan o son transportados por la sutil marea de sus propios roces. Cuando la seguridad física está garantizada dentro del movimiento en un plano más instintivo, la improvisación encuentra un campo más sutil de juego. Es aquí donde el sentido del tiempo, del toque y del espacio cambian. Pues, pese al rechazo casi absoluto de su existencia ,a veces tenemos vislumbres pasajeras. Quizás inspiradas en algo tan íntimamente simple que nos induce a la exaltación. O por la situación más ordinaria de la vida cotidiana. Puede presentarse mientras vemos caer lentamente la lluvia en nuestro patio, o al contemplar un rayo de sol que cae en la habitación, de una forma misteriosamente emotiva. Si algo de esto ocurre, podemos ser como un cazador, entrar ahí, dejar que nos toque.

Composición coreográfica: Gustavo Lecce | Música: Brian Eno & Harold Budd – Steve Jansen – Michael Brook | Fotografía: Mariana Roveda.

ALGO QUE YA NO HACE

Un grupo de personas vuelve repetidas veces sobre su comienzo para ir generando un material que les permita expandirse en el espacio por un tiempo preciso, hasta dejarse caer y solo dejar al tiempo que transcurra entre ellos.

Composición coreográfica: Fabián Gandini | Música: Korsakov

MONOTONÍA.LAB

Visible-invisible, personas-personajes, realidad-ficción-marginación, objetividad y objeto. Soy lo que el otro proyecta en mi, o lo que yo proyecto en el otro. Miradas, encuadre, multiplicidad de perspectivas que refuerzan o invalidan eso que soy… o creo.

Composición Grupal dirigida por: Gerardo Acosta | Música: M. Monk.

Integrantes del GEAM / Intérpretes: Anahí Dratman, Francisco Lozano, Delfina Salaberry, Emiliano Blanco, Julieta Romano, Magdalena Ciucci, María José García, María Julieta Martín, Micaela Ghioldi, Silvina Biondi, Sofía Sahakián, Victoria Alcalá, Victoria Paula Godoy Panique, Virginia Medici.

 


 

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Carolina Tironi

[Viernes 8 de agosto, 22hs. Entrada gral. $50]

Esta instalación es un Robo.

Esta instalación Reformula, Resignifica, Recrea, o tal vez ninguna de ellas, las obras de Maurizio Cattelan “ A perfect day” y de Eleonora Fabiao Nº 1: la máquina del diálogo de dos sillas: “Converso sobre cualquier asunto” .
Dialoga sobre la expropiación de material creativo, desde el deseo y el interés inicial que nos hace volcar la mirada sobre un material/autor, hasta la decisión de experienciar con el cuerpo las ideas de otro, atravesando la acción misma de su apropiación, interviniéndolo en su matriz. Invistiendo en él nuevos sentidos, algunos poéticos y otros políticos.
Esta performance se mueve en torno a varias preguntas que tienen como objetivo cuestionar cómo construimos cultura y repensar el rol de autor/creador, para proponer una lógica colectiva del hacer.
A quién pertenece una idea? Es ético apropiarnos del material de otro “autor”? ¿Qué me pasa poniendo en el cuerpo la idea de otro?
Es también resistencia a la propiedad privada (derechos de autor/propiedad intelectual)en un intento de generar encuentros y no productos.

“(…)un texto está formado por escrituras múltiples, procedentes de varias culturas y que, unas con otras, establecen un diálogo, una parodia, un cuestionamiento; pero existe un lugar en el que se recoge toda esa multiplicidad, y ese lugar no es el autor, como hasta hoy se ha dicho, sino el lector(…)”. Roland Barthes

Performers: Natali Faloni, Nicolás Barón, Juan Salvador Gimenez Farfan, Patricio Ivo Nievas, Carolina Tironi.

 


 

Foto M. Di Vincenzo 2PATRIMONIO / Trabajo en proceso para siempre.
Grupo del Patio. Ayelén Clavín.

[Viernes 8 de agosto, 22hs. Entrada gral. $50]

Es lo que hay, lo que podría haber, lo que hubo y ya se acabó. En esta oportunidad, el anticipo del preámbulo del prólogo de la primera parte: cómo trabajamos sobre material robado.
Todo lo que está, también es nuestro. Lo que tenemos, lo que nos quedó y lo que juntamos.
Cien años de perdón, y limpiaremos nuestras culpas.

Patrimonio es una experiencia que tematiza el trabajo en proceso. No es un trabajo en proceso, porque eso implicaría que alguna vez será una obra acabada.
Esta experiencia consiste en poner en escena los motivos sobre los que se toman las decisiones de lo que se incluye en la escena y lo que se descarta. Lo que queda para ser mostrado; y lo que se resigna, que como desecho, puede ser recuperado.
El eje sobre el que basamos lo que finalmente se presenta al espectador es la pregunta sobre cómo apropiarnos del patrimonio artístico, ese que ya es de todos (obras consagradas, más/menos reconocibles, no tan reconocibles, obras y creadores anteriores a nuestros nacimientos, épocas pasadas).
A estas experiencias de apropiación las llamamos robos, porque no son efectivamente creaciones de nuestra autoría; pero nos autoperdonamos en este acto delictivo porque entendemos que tales bienes artísticos son ya un bien común, patrimonio de todos; y nos defendemos con la cita.
Y en esta querella eterna entre mostrar y no mostrar…
…entre terminar una obra o escudarnos en el work-in -progress como si en algún momento fuese a acabarse en “la gran obra”…
…en ese camino estamos…

Música: 5ta Sinfonía, de Beethoven – Cumbia de Villa Donde, de King Colla | Coreografía: Ayelén Clavín, Laura Figueiras, Georgina Forconesi, Diego López, Carla Rímola, Marisa Villar –
coreografía citada de la performance “16 Millimeter Earrings” (Meredith Monk) y “The Cost of Living” (DV8) | En escena: Laura Figueiras, Georgina Forconesi, Diego López, Carla Rímola, Marisa Villar | Diseño de luces: Juan Carzoglio | Imagen: Analía Annetta | Colaboración en texto: Yanina Li Gotti | Gráfica: Gastón Sanchez | Fotos: Mariana Di Vincenzo| Idea: Ayelén Clavín.

 


 

paisaje1PAISAJE
Gerogina Forconesi, Maite Salz.

[Viernes 15 de agosto, 22hs. Entrada gral. $50]

Paisaje es un proyecto de creación en danza que busca acercar los polos de la creación en tiempo real y lo coreográfico. La propuesta es crear una obra que permita la interacción entre lo previamente establecido y la improvisación. Para esto, se trabajó de manera interdisciplinaria con un realizador audiovisual en la creación un video que ofrece diferentes entornos como marco de las escenas y los climas de la pieza.
Los intérpretes trabajan sobre pautas estipuladas que se vinculan con el material audiovisual para crear entornos, paisajes y climas, manteniendo la espontaneidad en la composición.

La noción de paisaje como disparador:

Un paisaje implica necesariamente un sujeto que observa y un objeto observado: la extensión de tierra. De este modo, la pieza se propone como aquél objeto de observación, que al mismo tiempo, es modificado por el espectador.
Se trabaja con el concepto de “Paisaje Sonoro” o “Soundscape” (Robert Murray Schaffer) que implica una construcción de ambientes sonoros reales o creados artificialmente. Así, la performance consiste en la unión de tres recursos: el sonido, el video y el movimiento.
El sonido se trabaja desde el mismo concepto, proponiendo al espectador la participación directa en su construcción.
Buscamos experimentar la implicación del entorno, tanto el espacio físico como las personas que se encuentran allí, en la creación de la obra. Esperando que la conjunción de todos los elementos conlleve la apertura de la pieza para la construcción poética a partir de la improvisación.
Como suaves colinas, como abruptos y angulares edificios o flameantes pastizales, los intérpretes buscan incluirse en el paisaje, implicándose y amalgamándose. El espacio es vivenciado como un sitio que se ocupa, se invade y se transforma desde el accionar de los cuerpos, lo sonoro y lo visual.

Dirección: Georgina Forconesi y Maite Salz | Intérpretes y creación: Alejo Wilkinson, Georgina Forconesi, Gonzalo Lagos, Maite Salz y María Aguirregomezcorta | Diseño de Luces: Lucas Lavalle | Música: Ivanna Spector

 


 

Conocimiento experimental 1CONOCIMIENTO EXPERIMENTAL. Primera entrada
Soledad Gutiérrez.

[Viernes 15 de agosto, 22hs. Entrada gral. $50]

Este proceso propone entrecruzar reflexiones filosóficas, prácticas escénicas y técnicas de movimiento haciendo base en la co-presencia y construyendo su estructura en la investigación de éste tema y nace del deseo de relacionar lecturas de Agamben, Derrida y Bourriaud con el trabajo de Joao Fiadeiro, Composición en tiempo real que une la reflexión y la práctica sobre cuestiones que hacen al encuentro con el otro.
El encuentro con el otro es la experiencia que atraviesa la creación en su conjunto y la temática, la técnica de movimiento y los recursos compositivos se integran dentro de esta práctica que hoy presentamos.
La investigación de dispositivos escénicos; explora los procedimientos que nos permiten desarrollar y llevar adelante la escena desde sus implicancias poéticas y políticas a partir de la improvisación con el cuerpo.
Cada intérprete trae consigo sus experiencias, conocimientos y afectos. El trabajo tiene como objetivo poner en juego y en constante indagación estas características, a partir de la interpelación con el otro, cada uno a partir de procedimiento previamente entrenados y un guión en conjunto, deberá adaptarse a lo que acontece en cada encuentro como resultado de su propia interacción, la presencia del público, el estímulo sonoro y lumínico en resumen: la puesta en práctica de “lo otro”.
Se posibilita de esta manera la actuación en conjunto de forma consistente como también su opuesto.
Al decir de Bourriaud una forma para “construir modos de existencia o modelos de acción dentro de lo real ya existente” proponiendonos una convivencia, no utópica, ni ideal entre los intérpretes con ellos mismos y la audiencia.

Intérpretes: Alejo Wilkinson Hassler, Luis Sodá, Mercedes De Cillis | Dirección: Soledad Gutiérrez.

 


 

gustavoHABITA 2
Gustavo Lecce, Muhammad Hbibbi.

[Viernes 22 de agosto, 22hs. Entrada gral. $50]

Un músico y un bailarín, improvisan, dialogan. Bailan sus notas y tocan sus movimientos. Nos seguimos, y somos seguidos por ciertas fuerzas ya puestas en juego. Creando un campo de acción abierto y prístino.

Trabajamos buscando puentes, creando puentes y explorando la multiplicidad de posibilidades entre la danza y la música, donde nos manejamos con diferentes impulsos al mismo tiempo. El músico toca los míos y yo bailo los de él.
Exploremos como entrar en un estado de observación activa, abriendo canales de percepción, para llegar más confortables y relajados al instante presente, al encuentro entre nosotros. E incluso la quietud, el silencio aparentemente sin movimiento es algunas veces la puerta para reconocer las mareas interiores, que están siempre presentes en nuestros movimientos visibles.
Allí comenzará la danza con la marea del otro.
Veo la improvisación como un momento prístino, único y particular. Generando un activo proceso de elecciones, creando la situación escénica en el instante mismo en que ésta sucede, sostenidos y contenidos por la mirada de los espectadores, testigos y cómplices de la creación.

 


 

22600017 bbbbCRÍOS
Rodofo Opazo

[Viernes 22 de agosto, 22hs. Entrada gral. $50]

“Críos”, surge en el marco del Programa de formación de dirección y creación escénica de la TAE en el Teatro Argentino de La Plata en el año 2013, bajo el seguimiento y tutoría general de Silvio Lang.
Se trata de una propuesta escénica que, en su origen, elige como material dialogante la poética de Pablo Paredes, dramaturgo, guionista y poeta chileno contemporáneo y que toma forma en estrecha relación con el análisis de ciertos conceptos espaciales presentes en el espacio de la sala de la TAE, en el Teatro Argentino de La Plata; espacio que encuentra variados territorios de resonancia en la discursividad de Paredes. Ambos lugares, la poética de Paredes y las catacumbas del Teatro Argentino de La Plata, están impregnados de una crudeza tal, que pone frente a nuestros ojos las grietas subterráneas e invisibles de dos sistemas distintos, pero ambos enfermos hasta la médula, que nos empujan constantemente hacia ciertas experiencias físicas relacionadas con lo extremo.
La idea del riesgo físico y la violencia como forma de la crudeza; la puesta a prueba de esas ideas en el propio cuerpo como un intento de apropiación de una experiencia física que a la vez es la condición de existencia, en la escena, del habla de Paredes; el despliegue de su mundo poético a través de la repercusión de su lengua en un cuerpo colectivo tomado por la experiencia cruda del riesgo físico; ese es el terreno que “Críos” intenta circunscribir.
Si bien en el contexto del Programa de formación, el trabajo toma una forma escénica específica, es importante mencionar que lo consideramos aún como un proceso en transito. Poder probar el trabajo, que fue planteado casi a la manera de site-specific, fuera de su contexto físico de creación, es parte de ese transito. También lo son las preguntas sobre la expresividad de esos cuerpos en esas situaciones particulares. Apostamos a que el foco en esta nueva etapa, estará puesto en el intento por instalar como protagonista de la escena, la insistencia sobre la expansión de los límites de la expresividad física y contextual de “Críos”. Proponer un desdoblamiento retroactivo de estos cuerpos en constante riesgo, y que aun ahí, en el abismo de ese formal desborde, puedan fundar una complicidad propia de aquellos que se reconocen camaradas en el intento por configurar un nuevo espectro de lo sensible. Estallido, reverberancia y nueva configuración a partir de la voz de Paredes, que sigue aún ahí… subterráneamente.

Intérpretes: Gabriel Bergonzi, Maria Aguirregomezcorta, Rodolfo Opazo | Vestuario: Carol Serrano | Música: Nicolás Lipolli | Iluminación: Pablo Lobos | Primera instancia de tutoría: Silvio Lang | Dirección: Rodolfo Opazo

 


 

imagen_ miraě!ES ENVIADA UNA INVITACIÓN A SER PARTE DE UN ENCUENTRO REMOTO ENTRE MICRO BIOS…
Elina Rodríguez, Virginia Barcelona, Carolina Tironi.

[Viernes 29 de agosto, 22hs. La invitación para esta fecha se realiza a través de un dispositivo propio del proyecto, esto implica que la presentación no está destinada a “un público general”]

¿Por qué este proyecto necesitaría un nombre?

La propuesta es una invitación a una presentación sobre un proyecto que comienza en mayo del 2013 y que parte de las ganas de bailar, desarrollar acciones colaborativas, hacer danza fuera de los espacios de arte, crear una red de artistas que no estén en vinculación previamente y que no correspondan a un circuito establecido, realizar proyectos a bajo costo y que todo esto se manifieste en un ambiente donde todos y nadie tenga el control. La intención es crear una plataforma que potencialmente pueda provocar una comunicación entre remotos sobre estos asuntos. Y donde la excusa para estudiar esta posibilidad, sea una cierta materialidad (videos y notas) que no se propone necesariamente ser una obra de arte.

MIRÁ! nos plantea el desafío de mantenernos en la vulnerabilidad de la experimentación pero esta vez en el marco de un espacio teatral, donde compartiremos la red de asuntos que se desplegaron en el proyecto a partir de las preguntas iniciales. Dejaremos que esta presentación se entrame en el proceso y continúe creando cultivo.

El foco de la convocatoria en “posibles dispositivos para comunicar una investigación artística”, nos habilita la flexibilidad necesaria para adaptar un modo de apertura a otros, que sea oportuno al proyecto en este momento. Decidimos darle continuidad a la dinámica ya iniciada en la primera etapa, donde el modo de incorporar intercambios con otros se dio a partir de una red de invitaciones. Entonces el dispositivo en esta instancia será el mismo. Tres personas integrantes del proyecto, cada una invita a una persona remota, es decir asociar esta información a alguien no imaginado antes, que pueda interesarle la cita y pueda asistir el viernes acordado. Estas personas continúan la invitación y así hasta que cada una de las tres redes llega al invitado número 15. Esta dinámica implica que en esta fecha el ciclo no será abierto a un “público general”.

En el marco de un primer encuentro de trabajo entre todas las propuestas del ciclo MIRÁ! se abrió la pregunta, si este dispositivo podría tener un carácter cerrado o abierto. Es una cuestión interesante sobre la que pensamos tres cosas. Es cerrado si la perspectiva de evaluación es la de la escena en el marco del dispositivo teatral. Es abierta si la perspectiva es, que en este caso, los invitados pasan a ser parte del proyecto. Y no es ni abierta ni cerrada si la perspectiva es, cómo necesita el proyecto ser socializado en esta instancia, dado que estamos interesadas en observar qué materiales hay en una posible distribución por azar/afinidad que pueda darse entre los invitados a esta instancia.

Esta lógica de intercambio simbólico afecta también el intercambio económico (quizás simbólico también) que supone una obra en el marco del dispositivo teatral, es decir pagar una entrada y ver un espectáculo. Decidimos que los invitados a la cita y los integrantes del proyecto no paguemos ni cobremos nada. Esta es la decisión más afinada a la que pudimos llegar en esta instancia aunque creemos que es un gran aspecto para seguir pensando. Claro, que un grupo de persona se reúna en un espacio, mediante el diseño de un marco de encuentro, implica ciertos gastos, costos de recursos humanos y técnicos, luz, impresión de piezas gráficas, etc que en este caso son asumidos por el Centro Cultural. Este aspecto parece particularmente pertinente de ser contemplado dado el contexto del Centro Cultural Sabato, espacio que depende de la Facultad de Ciencias Económicas de la ciudad de Buenos Aires, alojado en el subsuelo del sector que tiene entrada por la calle Uriburu nro 763, debajo del Museo de la Deuda Externa.

El proyecto y la presentación no tienen un nombre, pero a los fines de difusión decidimos poner la frase que da inicio a la edición del material en la web y que de algún modo podría ser una información nodal.

Es enviada una invitación a ser parte de un encuentro remoto entre micro bios. Un cultivo para favorecer un proceso de fermentación. Una redistribución por afinidad o azar. www.remoteinvitations.wix.com/micro

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